LIFE IS FLEETING, BUT FAITH IS ETERNAL

ปริญญานิพนธ์ฉบับนี้มีวัตถุประสงค์เพื่อศึกษาและออกแบบสร้างสรรค์คอลเลกชันเครื่องประดับศิลปะเหนือจริง (Surreal Art Jewelry) ภายใต้ชื่อชุด “สุสานกระดูก” (Bone Cemetery) โดยมุ่งเน้นการถ่ายทอดปรัชญา “ชีวิตเป็นสิ่งไม่จีรัง แต่ศรัทธาคือสิ่งนิรันดร์” การออกแบบได้รับแรงบันดาลใจจากสุนทรียศาสตร์แบบกอทิก (Gothic) และศิลปะการจัดวางโครงกระดูกในสุสาน (Ossuary) เพื่อกระตุ้นให้ผู้สวมใส่และผู้ชมตระหนักถึงสัจธรรมของชีวิตผ่านแนวคิดมรณานุสติ (Memento Mori)
กระบวนการวิจัยและการสร้างสรรค์ผลงาน ประกอบด้วยการศึกษาเชิงลึกด้านสัญลักษณ์วิทยาของกระดูก ร่วมกับการตระหนักถึงการใช้ทรัพยากรอย่างคุ้มค่า ผู้วิจัยจึงได้นำเปลือกไข่ซึ่งเป็นขยะอินทรีย์เหลือใช้ในครัวเรือนมาสร้างมูลค่าเพิ่ม (Upcycling) โดยนำมาผ่านกระบวนการแปรรูปเป็นผงเพื่อพัฒนาสูตรดินปั้นทำมือ (Handmade Sculpting Clay) ร่วมกับแป้งทัลคัม (Talcum Powder) และกาวลาเท็กซ์ การเลือกใช้วัสดุหมุนเวียนนี้นอกจากจะช่วยลดปริมาณขยะและส่งเสริมแนวคิดความยั่งยืนแล้ว วัสดุที่พัฒนาขึ้นยังมีคุณสมบัติทางกายภาพที่เหมาะสมอย่างยิ่งในการขึ้นรูปทรงลวดลายโครงกระดูกที่มีความละเอียดอ่อน ซับซ้อน และตอบสนองต่อโครงสร้างทางสรีรวิทยาของการสวมใส่
ผลลัพธ์ของการศึกษาคือ คอลเลกชันเครื่องประดับที่ผสานความงามทางทัศนศิลป์ ความยั่งยืนของวัสดุ และความลึกซึ้งทางแนวความคิดได้อย่างลงตัว ผลงานชุด “สุสานกระดูก” สามารถก้าวข้ามขีดจำกัดของเครื่องประดับทั่วไป สู่การเป็นงานศิลปะที่ตั้งคำถามเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของมนุษย์ การบูรณาการเศษวัสดุเหลือใช้จากวิถีชีวิตประจำวันสู่กระบวนการออกแบบขั้นสูง ยังเป็นแนวทางใหม่ที่สร้างอัตลักษณ์เฉพาะตัว และยกระดับการออกแบบเครื่องประดับร่วมสมัยให้มีคุณค่าต่อสิ่งแวดล้อมและสังคมอย่างเป็นรูปธรรม

VOODOLL

The reinterpretation of the Voodoo ritual into contemporary fashion, by using symbols of binding, stitching and protection combined with rock and punk silhouettes to represent contemporary beliefs.

Design project of a vehicle for initial fire suppression in densely populated community areas

This project was developed in response to the recurring problem of fires in densely populated communities, where flames often spread rapidly due to the inability of conventional fire engines to access narrow alleyways in a timely manner. To address this issue, a compact three-wheeled firefighting vehicle was designed to provide rapid access to emergency locations and perform initial fire suppression before the situation escalates.

The vehicle aims to reduce the risk of fire spreading, minimize damage to lives and property, and improve emergency response efficiency in areas with limited accessibility. In addition, various supporting equipment and functional features have been integrated into the vehicle design to assist firefighters in carrying out their duties more effectively. These features enhance operational efficiency, improve mobility in confined urban environments, and enable faster response to emergency situations.”

Salakjit สลักจิต

คอลเลคชั่นเครื่องแต่งกายสตรีทแวร์แนวโกธิคที่ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะไทยร่วมสมัยแนวกึ่งนามธรรม ถูกตีความและนำเสนอเรื่องราวผ่านลวดลายที่เกิดจากหลากหลายเทคนิคบนหนังวัว การแกะสลักหนัง การวาดมือ เลเซอร์คัต แกะสลักลายลักษณ์เพื่อเล่าขานความงามของงานหัตถศิลป์และงานฝีมือของไทย

The Temple of Impermanence

Bangkok’s urban temples have become increasingly distant from the lives of younger generations, yet the need they once fulfilled has never been more urgent. In a city defined by relentless density and pace, people are searching for spaces of genuine stillness — not as retreat from life, but as a way of returning to it more fully. This project proposes a contemporary Buddhist temple complex in Bangkok that recovers the temple’s original role as a place of community, contemplation, and self-awareness.
The concept is rooted in the Buddhist teaching of impermanence — the understanding that all things are temporary, and that resistance to this truth is the root of suffering. Rather than illustrating this idea decoratively, the design translates it directly into spatial experience. The meditation hall, the focal point of the complex, is oriented and aperatured so that natural light shifts continuously throughout the day, making the passage of time physically felt rather than abstractly understood. Water flows uninterrupted through the complex, always moving, always changing. No moment in the space is identical to the one before.
The spatial sequence is designed as a deliberate decompression from the city. Each threshold along the arrival path is quieter, more contained, and more inward-facing than the last, guiding the visitor from the noise of the street toward stillness without announcing the transition. The meditation hall is not reached quickly. It is earned through the sequence.
The social relevance of this project lies in its proposition that spiritual infrastructure is not separate from public life but essential to it. As Bangkok continues to grow denser and faster, spaces that ask people to slow down, pay attention, and sit with themselves become increasingly necessary, not as religious obligations, but as a basic human need.

Aurorae Fortune Color Hair Wax

In the contemporary era, product design no longer serves functionality alone; it must also reflect the identity, fashion sensibilities, and beliefs of consumers. This is especially true for hair color products, which are among the most popular in the beauty industry. In this project, such products are reinterpreted through the lens of Thai cultural beliefs, where auspicious colors associated with one’s day of birth are thought to enhance various aspects of life.

Integrating this concept into packaging design plays a crucial role in communicating the brand’s identity and values, while simultaneously creating differentiation and adding value to the hair color wax product.

Under the concept of Spin of Shades, the packaging introduces an interactive element through the rotation of hair color shades. As the user twists the container, a seamless transition of tones is revealed, gradually shifting from darker to lighter shades, enhancing both visual appeal and user experience.

Rhythm Del Mare

โครงการออกแบบชุดเฟอร์นิเจอร์ริมชายหาดสำหรับโรงแรมระดับ 5 ดาวนี้พัฒนาขึ้น เพื่อตอบสนองพฤติกรรมของกลุ่ม Digital Nomad ที่ต้องการพื้นที่ รองรับการทำงาน การพักผ่อนและการปฏิสัมพันธ์ทางสังคม ภายใต้บริบทชายหาดที่เปลี่ยนแปลงตามพฤติกรรมผู้ใช้งาน

แนวคิดการออกแบบได้รับแรงบันดาลใจจากการผสานอัตลักษณ์ทางวัฒนธรรมไทยและอิตาลี ภายใต้แนวคิด ศิลปะแห่งการใช้ชีวิตอย่างสมดุล โดยเชื่อมโยงปรัชญา Dolce far niente ของอิตาลี ซึ่งสะท้อนความสุขของการไม่ทำอะไรเลย เข้ากับวิถีชีวิตไทยที่สบายๆ ถ่ายทอดผ่านว่าวโนรา ภูมิปัญญาพื้นถิ่นภาคใต้ของไทย ผสานกับอัตลักษณ์เรขาคณิตของ Memphis Design ของอิตาลี เพื่อสร้างภาพลักษณ์ร่วมสมัยที่มีเอกลักษณ์ สนุกสนาน

ในเชิงนวัตกรรมเฟอร์นิเจอร์ถูกพัฒนาเป็น Multifunction ที่สามารถปรับเปลี่ยนรูปแบบการใช้งานได้ผ่าน 2 โหมดหลัก ได้แก่ Work Mode สำหรับการทำงานกลางแจ้งที่รองรับหลักสรีรศาสตร์และการจัดวางอุปกรณ์ดิจิทัลอย่างเป็นระบบ และ Relax Mode สำหรับกิจกรรมรับประทานอาหารหรือตามพฤติกรรมของผู้ใช้ เช่นนอนเตียงชายหาดเพื่อการพักผ่อนที่รองรับโครงสร้างร่างกายมนุษย์

โครงสร้างได้รับการออกแบบให้เป็น Adaptive Furniture System ที่สามารถตอบสนองต่อพฤติกรรมผู้ใช้และสภาพแวดล้อมได้อย่างยืดหยุ่น ผ่านการเคลื่อนที่และการปรับตำแหน่งขององค์ประกอบหลัก ได้แก่ โต๊ะ และโครงร่ม ให้ทำงานร่วมกันเป็นระบบเดียว เพื่อสร้างสภาวะพื้นที่ที่ปรับเปลี่ยนได้ตามช่วงเวลา แสง ลม และกิจกรรมที่เกิดขึ้นจริง ควบคู่กับการเลือกใช้วัสดุสมรรถนะสูงที่เหมาะสมกับสภาพแวดล้อมชายฝั่งทะเล สามารถทนต่อความชื้น ลม และไอเกลือได้อย่างมีประสิทธิภาพ
ผลลัพธ์ของโครงการคือการสร้าง Future Luxury Hospitality Experience ผ่านระบบเฟอร์นิเจอร์ริมชายหาดที่ผสานการทำงานและการพักผ่อนเข้าด้วยกัน สร้าง Dynamic Spatial Experience ที่ปรับเปลี่ยนตามพฤติกรรมผู้ใช้งาน พร้อมยกระดับพื้นที่ชายหาดให้เป็นพื้นที่คุณภาพสำหรับการใช้ชีวิตในยุค Hybrid Lifestyle และสะท้อนศักยภาพของการออกแบบไทยสู่บริบทสากลผ่านแนวคิดร่วมสมัยที่มีเอกลักษณ์ และสามารถสร้างคุณค่าใหม่ให้กับอุตสาหกรรมการท่องเที่ยวและโรงแรมในอนาคต

The last emperor of Ching dynasty

This thesis explores the psychological transformation of Puyi, the last emperor of the Qing Dynasty, through a conceptual fashion collection. Rather than focusing on historical events or the fall of the Qing Dynasty, the project examines Puyi’s emotional journey as he transitioned from an emperor with absolute authority to an ordinary citizen. The collection reflects themes of identity, power, loss, and adaptation, revealing the conflict between personal identity and changing social roles.
The design development was carried out independently, including historical and visual research, concept development, textile experimentation, silhouette exploration, pattern making, draping, garment construction, and final production. Each of the five looks represents a significant stage in Puyi’s life, translating his psychological state into silhouette, proportion, material selection, and garment details.
Inspired by the contrast between imperial grandeur and the simplicity of ordinary life, the collection combines traditional Chinese references with contemporary fashion design. Through changes in form, layering, and construction, the garments express the gradual loss of status while emphasizing the resilience of the individual.
Ultimately, this project demonstrates how fashion can serve as a medium for storytelling, using clothing to communicate psychological transformation rather than merely recreating historical costume. The collection presents a contemporary interpretation of Puyi’s life, encouraging viewers to reflect on identity, change, and the relationship between power and humanity.

สถานีวิถีทะเลชาวบาจาวเลาท์และการฟื้นฟูแนวปะการัง รัฐซาบาห์ ประเทศมาเลเซีย

โครงการนี้มีจุดเริ่มต้นจากปัญหาความเสื่อมโทรมของแนวปะการังในภูมิภาคเซมปอร์นา ประเทศมาเลเซีย ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของสามเหลี่ยมปะการังที่มีความหลากหลายทางชีวภาพสูงของโลก อันเป็นผลจากกิจกรรมของมนุษย์และการเปลี่ยนแปลงสภาพภูมิอากาศ ขณะเดียวกัน ชุมชนชาวบาจาวเลาท์ ผู้มีวิถีชีวิตผูกพันกับทะเล กลับขาดพื้นที่ที่เอื้อต่อการถ่ายทอดองค์ความรู้และการมีส่วนร่วมในการฟื้นฟูทรัพยากรทางทะเล

โครงการจึงมุ่งออกแบบสถาปัตยกรรมให้เป็นตัวกลางในการฟื้นฟูแนวปะการังควบคู่กับการสร้างพื้นที่เรียนรู้ร่วมระหว่างชุมชนและผู้มาเยือน โดยประกอบด้วยศูนย์กลางบนเกาะโอมาดาลในฐานะ “แนวปะการังต้นแบบ” และหน่วยฟื้นฟูแนวปะการังแบบลอยน้ำที่สามารถเคลื่อนย้ายไปยังพื้นที่เสื่อมโทรมเพื่อรองรับกระบวนการเพาะเลี้ยงและย้ายปลูกปะการังตามวงจรจริง

ผลลัพธ์ของโครงการแสดงให้เห็นว่าสถาปัตยกรรมสามารถเชื่อมโยงมนุษย์ ธรรมชาติ และวัฒนธรรม ผ่านการสร้างประสบการณ์ การเรียนรู้ และการมีส่วนร่วม เพื่อส่งเสริมการฟื้นฟูและการดูแลระบบนิเวศทางทะเลอย่างยั่งยืน

Inflo Studio

What if creative burnout isn’t a lack of ideas, but a lack of seeing?
Inflo Studio is a hybrid physical-digital medium designed to prevent creative burnout — not by adding another productivity tool, but by restoring the creative’s engagement with the world. Rather than treating burnout as exhaustion to be rested away, Inflo treats it as a loss of perception: the world hasn’t stopped offering material, but the creative has stopped noticing it.
The Collector is where this restoration begins. It lets users capture everyday encounters beyond the visual, breaking each moment into layers — Frame, Texture, Motion & Sound, and Atmosphere. A single encounter is no longer flattened into a reference photo; it becomes several distinct, transferable properties that can travel into entirely different projects, disciplines, and contexts.
These layered captures become the raw material carried into Flowspace, a hybrid physical-digital board where individuals and teams arrange, connect, and synthesize them into ideas — using structured methods like associative, structural, and attribute-dependency thinking.
At the center of Flowspace is Stroma, an AI node that takes on a different role than generation alone. Instead of producing ideas for the user, Stroma visualizes half-formed thoughts into mood, form, or tone in real time, and tests their feasibility against real constraints. It acts as a creative partner that helps people see their own thinking more clearly, rather than replacing it.
Inflo Studio is not a platform or productivity app — it is a creative medium, in the same sense that paint or clay is a medium. It gives structure to how ideas are captured, connected, and expressed, so that creativity becomes a sustained practice of perception, not a race for output.

KRUNGTHAY CRAFT BEER กรุงเท่ห์ คราฟต์เบียร์

KrungThay is a craft beer brand inspired by four iconic streets in Bangkok, each representing a unique aspect of the city’s identity. The brand name is adapted from Krungthep (Bangkok) and the Thai word “Thay,” meaning “cool” or “stylish,” reflecting the city’s hidden charm and vibrant character. The collection features four beers: Sukhumvit Lager, inspired by Bangkok’s business district; Charoenkrung IPA, representing the historic and creative old town; Charoennakhon Wheat, inspired by the riverside culture of the Chao Phraya River; and Khaosan Pale Ale, capturing Bangkok’s nightlife and street culture. Each beer is expressed through illustrations, character designs, color palettes, and storytelling that translate local architecture, people, and atmosphere into unique visual identities and flavor profiles. The packaging includes ingredient information, beer characteristics, recommended Thai food pairings, and QR codes linking consumers to partner bars throughout Bangkok, creating an interactive brand experience under the slogan “Where Good Beer Meets Good Vibes.”

“กรุงเท่ห์” เป็นแบรนด์คราฟต์เบียร์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก 4 ถนนสำคัญของกรุงเทพมหานคร ซึ่งแต่ละสายถนนสะท้อนเอกลักษณ์ที่แตกต่างกันของเมือง ประกอบด้วยเบียร์ 4 รสชาติ ได้แก่ Sukhumvit Lager ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากย่านธุรกิจของกรุงเทพฯ, Charoenkrung IPA ที่สะท้อนเสน่ห์ของย่านเมืองเก่าและย่านสร้างสรรค์, Charoennakhon Wheat ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากวิถีชีวิตริมแม่น้ำเจ้าพระยา และ Khaosan Pale Ale ที่สะท้อนสีสันของชีวิตกลางคืนของกรุงเทพฯ เบียร์แต่ละรสชาติได้รับการถ่ายทอดผ่านภาพประกอบ คาแรกเตอร์ โทนสี และการเล่าเรื่อง โดยนำสถาปัตยกรรม ผู้คน และบรรยากาศของแต่ละย่านมาแปลงเป็นอัตลักษณ์ทางภาพและแนวคิดของรสชาติ บรรจุภัณฑ์ประกอบด้วยข้อมูลวัตถุดิบ คุณลักษณะของเบียร์ คำแนะนำในการจับคู่กับอาหารไทย และ QR Code ที่สามารถเชื่อมต่อผู้บริโภคไปยังบาร์พันธมิตรทั่วกรุงเทพฯ เพื่อสร้างประสบการณ์ของแบรนด์ภายใต้สโลแกน “Where Good Beer Meets Good Vibes”

Ngong Ngiew Exhibition (งานนิทรรศการ งงงิ้ว)

โครงการออกแบบนิทรรศการเกี่ยวกับละครงิ้วสำหรับคนรุ่นใหม่

Chinese opera is not merely a performance, but a “construction” of culture -shaped through movement, music, vocal expression, facial artistry, and costume, forming a living identity rich with meaning.
The Ngong Ngiew Exhibition emerges from unfolding these elements and reassembling them in a contemporary context. It invites visitors to explore, engage, and experiment in creating their own interpretations of Chinese opera—bridging traditional culture with a new generation in a more intimate and accessible way.

งิ้วไม่ใช่เพียงการแสดง แต่คือการ “ประกอบร่าง” ของวัฒนธรรมจีน ที่หล่อหลอมผ่านท่าทาง ดนตรี บทขับร้อง สีสันบนใบหน้า และเครื่องแต่งกาย จนเกิดเป็นตัวตนที่มีชีวิตและความหมาย นิทรรศการ งงงิ้ว จึงเกิดจากการคลี่องค์ประกอบเหล่านั้นออก แล้วนำมาประกอบใหม่ในรูปแบบร่วมสมัย เปิดให้ผู้เข้าชมได้มีส่วนร่วม ที่จะหาคำตอบและได้ทดลองสร้างงิ้วเพื่อเชื่อมวัฒนธรรมดั้งเดิมเข้ากับคนรุ่นใหม่อย่างใกล้ชิด